La música y la decadencia del capitalismo

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Autor: 
Joel Ang

El futuro del arte está ligado inextricablemente al futuro de la humanidad en su conjunto y la lucha política contra el capitalismo debe necesariamente encontrar una expresión en el arte.

"El negocio de la música es una trinchera de dinero cruel y superficial, un largo pasillo de plástico donde los ladrones y los proxenetas corren libres, y los hombres buenos mueren como perros. También hay un lado negativo."- Hunter S. Thompson

"Cada nueva tendencia en el arte ha comenzado con la rebelión." - León Trotsky

La prolongada crisis global del capitalismo, que está completando una década, está enraizada en una crisis estructural de las fuerzas productivas. Esto, a su vez, encuentra expresión en las instituciones políticas, ideológicas, culturales, roles y rituales de la sociedad, las cuales están siendo afectadas significativamente.

La CMI ha documentado múltiples aspectos de este fenómeno en nuestra época. Con respecto a la música, nuestro artículo del 2013 esbozó el surgimiento de modelos de transmisión en streaming1 y el peligro que representan para los medios de vida de los músicos. Desde entonces, la situación de los músicos ha degenerado aún más en formas cada vez más distorsionadas.

Hay indicios de que incluso la fortaleza, una vez aparentemente impenetrable, del rock y el pop, respaldados por corporaciones está sufriendo graves grietas en su base. Ted Gioia, crítico, historiador y fundador del programa de estudios de jazz de la Universidad de Stanford, recientemente escribió una columna muy interesante titulada "¿Necesita el negocio de la música algún tipo de talento?"

Según el artículo (que vale la pena leer en su totalidad por sus ideas), las calificaciones de los Video Music Awards de MTV cayeron un 34% entre 2015 y 2016, luego de un descenso similar el año anterior. "En una industria que agoniza sobre los cambios de una fracción porcentual, este tipo de caída libre es sin precedentes", escribió Gioia. El negocio de la música sacó sus mejores armas para el evento de MTV, Beyoncé, Kanye, Rihanna y Britney, entre otros fenómenos de un solo nombre, y el programa fue transmitido en 11 redes diferentes, incluyendo VH1, BET, CMT y Spike. Incluso Comedy Central dio la cobertura completa del evento. . . más gente vio The Great British Bake Off2 la semana anterior ".

Mientras que algunos han tratado de "mirar el lado positivo", en términos del mayor control que los artistas tienen sobre sus destinos, la cruel verdad del asunto es que para más y más artistas, la "elección" que tienen es entre encontrar una alienante forma de sobrevivencia o languidecer en la pobreza.

Más recientemente, The Washington Post publicó un largo epitafio en forma de artículo titulado "Por qué mi guitarra llora suavemente: La muerte lenta y secreta de la eléctrica de seis cuerdas. Y por qué debería importarte".  Los números son más que sombríos: "En la última década, las ventas de guitarras eléctrica se han desplomado, de alrededor de 1,5 millones vendidos anualmente a poco más de 1 millón. Las dos compañías más grandes, Gibson y Fender, están en deuda, y una tercera, PRS Guitars, tuvo que recortar personal y ampliar la producción de guitarras más baratas. En abril, Moody's bajó la categoría de Guitar Center, el mayor minorista de cadenas, ya que enfrenta una deuda de 1.600 millones de dólares ".

El mismo instrumento que fue en gran parte sinónimo de la música popular del siglo XX puede estar en su lecho de muerte. En una cruel personificación de la situación, Allan Holdsworth, posiblemente el guitarrista eléctrico más revolucionario del siglo falleció recientemente en una situación financiera tan grave que su familia tuvo que financiar colectivamente sus gastos de funeral. Si esta es la situación a la que se enfrentan las "leyendas" de la industria, sólo nos podemos imaginar cómo están las cosas para aquellos que están empezando a explorar sus intereses musicales.

El streaming continúa su espiral descendente

El surgimiento del mp3 marcó el comienzo de una nueva era en la experiencia musical. Por primera vez, millones de personas pudieron acceder a miles de horas de música simplemente pulsando un botón. Con el streaming, esa capacidad se multiplicó aún más, aunque el ancho de banda artificialmente restringido impedía que el oyente transmitiera audio de alta calidad. Como Marx predijo correctamente en sus escritos sobre el uso de la maquinaria bajo el capitalismo, el surgimiento de esta nueva tecnología, lejos de liberar a los artistas de la explotación, sólo los llevó a más desesperación, haciendo casi imposible que la mayoría de los artistas se beneficien de la venta de su música.

Cuando escribimos por última vez sobre la tecnología de streaming, Spotify3 estaba en su ascendencia y la música de Apple aún no existía, por no hablar de Tidal4. Firmas como Rhapsody y Napster que estaban luchando por el segundo lugar ahora han quedado obsoletas. Apple también se rumorea que está considerando la adquisición de Tidal, el "artista poseído", un servicio de transmisión en tiempo real que tiene algunos de sus artistas más prominentes saltando del barco debido a su falta de rentabilidad e incapacidad para competir contra los dos principales titanes.

Últimamente, la competencia entre los dos gigantes se ha tornado aún más complicada. A tal grado que en la próxima oferta inicial publica de Spotify, Apple ha tratado de ofrecer un modelo de streaming que pondrá presión sobre Spotify, según el Bay Area News Group. La medida convertirá a Apple Music en un líder en pérdidas para presionar a Spotify, ya que las pérdidas netas de la compañía se duplicaron, pasando de 258 millones de dólares en 2016 a 581 millones de dólares en 2017, de acuerdo con su estado financiero anual.

Esta es sólo la punta del iceberg en la maniobra para sacar ventaja de la plusvalía, desollando músicos vivos, dejándolos con peniques en sus bolsillos por su trabajo artístico. El reciente lanzamiento de Frank Ocean, Blond desató una guerra entre la discográfica Def Jam, su compañía matriz, Universal Music Group, el artista, los fans y las compañías de tecnología. Según el New York Times, "en la era del streaming, la compleja serie de relaciones en las que el negocio de la música se basa para funcionar se han convertido en cualquier cosa, menos en algo armonioso ... representativo de un cambio más amplio en la dinámica de poder entre artistas, discográficas y empresas tecnológicas".

En medio de toda esta acritud, un nuevo fenómeno parece estar en aumento: stream ripping5. El procedimiento, que convierte un flujo en un archivo descargable, es "particularmente preocupante porque la industria de la música -que ha perdido el 60% de su valor desde su máximo en 2000 y apenas se ha expandido en los últimos cinco años- está trabajando con servicios de streaming pagados para estimular su crecimiento", según el Wall Street Journal.

En resumen, tenemos una situación en la que las marcas de música corporativa buscan timar a los artistas a la antigua usanza, las empresas tecnológicas llevan a cabo la piratería legal contra los artistas y los fans son obligados a cometer piratería ilegal para acceder a servicios de música que no pueden pagar. ¿Tener sentido? Bienvenidos al capitalismo en el Año de Nuestro Señor 2017.

Spotify es sólo una de las casi 200 nuevas empresas con respaldo de riesgo con una valoración de $1 mil millones o más. Cuando se presenta con su oferta pública inicial, un puñado de especuladores están seguros de alejarse con un gran bolso de dinero en las manos. Pero dado su desempeño, parece más probable que entre en el mercado como un fracaso, uniéndose a los que ostentan capital de riesgo como Grubhub, Fitbit, Twitter, GoPro y otros. Independientemente de lo que suceda en este juego especulativo de la economía del vudú, podemos estar seguros de que habrá perdedores garantizados: los artistas, sobre cuyo trabajo se basa toda esta monstruosa máquina. Contra este telón de fondo, las palabras de Hunter S. Thompson, citadas anteriormente, nunca han sido más verdaderas.

¿Un modelo de streaming justo bajo el capitalismo?

Ha habido un número de diferentes propuestas de "soluciones" para los artistas que se encuentran en este callejón sin salida. El más interesante, sin embargo, llegó en 2015 en forma de artículo de Anil Prasad, "Un modelo de streaming de música justo es posible: ¿Por qué los artistas y las marcas independientes deben emanciparse de Big Music?", que fue leído por decenas de miles. Prasad, que comenzó el primer periódico en línea de la música, es leído extensamente y es uno de los periodistas más respetados de la música en el mundo. Mientras Prasad se ha distanciado de este modelo, afirmando que la ventana se ha cerrado para tal posibilidad, sostendremos que tal modelo no habría funcionado de manera sostenible ni siquiera bajo las condiciones más favorables.

De acuerdo con este modelo, en un intento por liberar a los artistas del control corporativo, o "Big Music", como él lo llamó, la solución sería "un servicio de streaming totalmente nuevo y justo" se convertiría en un "ambiente de streaming alternativo centrado en la música de significado, para los oyentes de valía, [para] los artistas y las marcas independientes para trabajar dentro de una creación totalmente nueva diseñada para beneficiarlos, dirigida por alguien que tiene sus mejores intereses en el corazón ". Su modelo propuesto se desglosa así:

-Una escucha gratuita de todas las pistas

-Escuchas futuras pueden ser alquiladas en $0.10 por caso o ser comprado y agregado a su biblioteca personal por $1.00

-Las suscripciones de streaming costarían de $40 a $60 dólares al mes (en comparación con los 10 dólares de Spotify)

-Funcionaría como una corporación-B (dirigida a impactar positivamente a la sociedad) con operaciones "pequeñas" y "ágiles" dirigidas por "verdaderos" amantes de la música

Hay dos requisitos finales, de acuerdo con este esquema: "Tiene que ser el único lugar para usar la música de importancia... [y] el compromiso exclusivo de marca respetadas".

¿Suena demasiado bueno para ser verdad? Bajo el capitalismo lo es ciertamente. El Sr. Prasad simplemente propuso otra forma de mutualismo proudhonista. No sólo no explicó lo que es "música de significado", sino que se saltó el pequeño detalle de cómo este servicio surgiría como el "único lugar para acudir" en un mercado dominado por Spotify y Apple. Tal empresa tendría que operar en el antes mencionado despiadado mundo de mega-conglomerados, adquisiciones, IPOs, etc.-en una palabra, el capitalismo. Dependiendo del capital requerido para lanzar este servicio de fantasía, teóricamente podría ser posible para un puñado de artistas conocidos obtener un beneficio por un tiempo. Pero en el momento en que la empresa se pone en el radar del gran capital, la expectativa es que termine como todas las cosas bajo el capitalismo. Como decía Lenin, sería controlado y dominado "a través de mil hilos, atrapados como en una telaraña".

Si bien aplaudimos el espíritu de lo que era claramente una propuesta bien intencionada para beneficiar a los artistas, debemos ser francos y claros de que no existe tal panacea dentro de la tormenta cada vez más turbulenta de la crisis más profunda del capitalismo hasta la fecha. Mondragón ofrece varios ejemplos para aquellos que desean entender los desafíos que el mercado plantea incluso a las cooperativas de trabajadores más resistentes.

¿Son las giras de los artistas la respuesta?

Algunas personas afirman que los artistas deben en su lugar apoyarse a sí mismos haciendo giras interminables. Sin embargo, hay varios aspectos de este argumento que exponen su naturaleza utópica, incluso si alguien quisiese pasar toda una vida recorriendo lugares. Por un lado, el precio de un billete de concierto promedio aumentó en un 400 % entre 1981 y 2012, en comparación con un aumento del 150 % en los precios totales del consumidor. En otras palabras, la gente promedio no puede permitirse asistir a tantos conciertos como en el pasado.

Además, el 5 % de los principales intérpretes de conciertos se llevan a casa alrededor del 90 % de los ingresos por conciertos. El periodo en el cual los que se encuentran en este estrato, van a permanecer siendo exitosos es absurdo y extremadamente humillante. Como ejemplo, Prasad ha narrado el surgimiento de los cruceros de música y los "paquetes VIP":

"Los márgenes de beneficio son simplemente espectaculares. Los honorarios de la banda son triples, cuádruples, incluso quíntuple por un concierto regular. Cada artista con el que he hablado—diría que unos 11-12 de los “principales"—todos dicen que desean que no tuviesen que ser de esta manera, y que desean no tener que hacer cruceros. Ninguno de estos artistas, algunos que solían vender 50 millones de discos, incluso pensaron que su carrera sería relegada al entretenimiento entre el servicio de bebidas con sabor a naranja y el postre de gelatina...Ahora, están tratando de atrapar a los periodistas para asignar credibilidad a estos eventos. Los artistas, durante las entrevistas, dirán que estos cruceros son una maravillosa congregación de verdaderos fans, como portavoces del evento, no quieren morder las manos que los alimentan. Los "periodistas" a su vez, no queriendo morder la mano que les alimenta esta experiencia, y quieren ir a más de estos conciertos, también dirán algo similar. Varios artistas me han dicho que desearían que no tuvieran que hacerlo o que desearan desafiar a la gerencia y decir no a la idea. Pero el resto de las cosas funcionan de forma tan brusca que se ven obligados a hacer estas cosas simplemente para sobrevivir ".

Pero incluso estos "exitosos" artistas son una raza en extinción. Están respaldados por una base de fans que llegó a la mayoría de edad durante el auge de la posguerra, una generación con más ingresos disponibles que cualquier otra audiencia, de acuerdo con Ted Gioia. "Lástima que sus fanáticos más decididos se estén extinguiendo. Si usted va a un concierto de los Rolling Stone, la audiencia todavía está usando drogas, pero han sustituido la medicación por la presión arterial con el LSD. Me encantan esos ancianos de cabello gris, pero ellos no pueden ayudar a resolver los problemas de la industria, aunque todavía puedan vender álbumes ".

Otro problema es que cada vez más sitios para la música en vivo (así como estudios de grabación) están cerrando debido al aumento de los precios inmobiliarios. Incluso los miembros restantes de la banda más grande de todos los tiempos -Los Beatles- lamentaron recientemente el estado de cosas cuando la sede de Londres, Fabric cerró. Su clausura representa la continuación de una tendencia asombrosa en la ciudad: el abandono de más del 40 % de sus lugares para eventos musicales en la última década. "Son mucho menos lugares para tocar, así es como están las cosas. Es una pena porque las nuevas bandas necesitan nuevos lugares, necesitan un lugar para tocar y se están cerrando ", dijo Ringo Starr. "Y el otro lado de esa moneda es que las bandas conocidas están dando a las nuevas bandas una oportunidad, pero tienen que pagarles para subir al escenario". A lo anterior, ahora debemos agregar las preocupaciones generalizadas sobre cómo Brexit afectará a la gira de las bandas en Londres y más allá en el Reino Unido.

 

Aquellas almas valientes que deciden convertirse en guerreros de carretera se enfrentan a una vida muy difícil, en la que el insomnio, la ansiedad y la tensión en las relaciones son la norma. En 2015, The Guardian informó sobre un estudio reciente realizado por Help Musicians UK que indicaba que más del 60 % de los músicos en gira han sufrido de dolencias psicológicas. La situación es aún más difícil para los DJ, debido a la velocidad de las giras, dado el relativamente bajo costo general. "Para fingir lo contrario", señala Moby en el seguimiento del periódico, "es por eso que, muchos músicos de gira se convierten en alcohólicos y adictos y finalmente mueren. Si nos fijamos en las tasas de mortalidad de las personas que viajan, es una profesión increíblemente peligrosa: la gente muere muy joven". En los Estados Unidos, por lo menos, este riesgo también lo sufren los artistas que actúan en un país con el sistema de atención médica más asqueroso en el mundo desarrollado. En noviembre pasado, el maestro bajista, el anterior profesor de Berklee, y el exalumno de Weather Report, Victor Bailey murió en un hospital para enfermos terminales, otra víctima artística de un sistema de salud con fines de lucro que no proporciona asistencia médica a los necesitados. Su muerte siguió a la de Bernie Worrell, el pionero del sintetizador cuyos guiones desempeñaron un papel integral en el Parlamento Funkadelic6, The Talking Heads7 y la explosión del gangsta rap8 de los años 90, después de perder una batalla contra el cáncer en junio de 2016 en medio de un torrente de facturas médicas.

Por una solución socialista

El Renacimiento produjo artistas de un calibre incomparable. Estos titanes, muchos de los cuales todavía se consideran entre los mejores de todos los tiempos fueron capaces de desarrollarse a un grado sin precedentes. Federico Engels se mostró efusivo en su admiración: «Los héroes de aquella época no estaban aún sujetos a la división del trabajo, cuyos efectos restrictivos, con su producción de unilateralidad, la cual vemos tan a menudo en sus sucesores». Estos genios de artistas pertenecían o eran patrocinados por las clases altas establecidas y ascendentes, proporcionándoles recursos masivos para desarrollarse a sí mismos y a sus creaciones a grandes alturas. Pero el requisito previo para su acceso a los recursos necesarios para refinar su maestría era el trabajo de millones bajo el tambaleante feudalismo y el capitalismo en ascenso.

Aristóteles alguna vez expresó con profunda agudeza de que el hombre empieza a filosofar cuando se le proporcionan los medios de vida necesarios. Sin alimento, refugio, y seguridad, ¿cómo se puede esperar que se ponga atención a la comprensión del mundo y hacerlo un lugar hermoso para vivir? Por un breve instante en el siglo 20, parecía como si una prueba de este tipo de vida podría ser posible, es decir, para una capa de la clase trabajadora en los países desarrollados imperialistas. Pero la convergencia de factores que lo hicieron posible, que hemos analizado en detalle en otro lugar, se ha ido y ha sido enterrada para siempre.

En su crónica, White Bicycles, el legendario productor Joe Boyd expuso sus puntos de vista sobre lo que hizo vibrar las contribuciones artísticas de la década de 1960: "El ambiente en el que floreció la música tenía mucho que ver con la economía. Fue una época de prosperidad sin precedentes ... En los años 60, teníamos excedentes de dinero y tiempo. Amigos míos vivían cómodamente en Greenwich Village, Harvard Square, Bayswater, Santa Mónica, y en el Left Blank que estaban, por los estándares actuales, en bancarrota. Sin embargo, sobrevivieron con facilidad por conciertos ocasionales en cafeterías o por trabajos a tiempo parcial. La economía de los años sesenta nos permitió mucha holgura, dejándonos tiempo para viajar, tomar drogas, escribir canciones y repensar el universo. Había un sentimiento de que nada estaba fijo, que una suposición sostenida era una que valía desafiar. Los estudiantes libres de deudas con tiempo disponible en sus manos obligaron al Pentágono a dejar de usar niños estadounidenses reclutados como carne de cañón y alteraron el panorama político de Francia ".

Junto con el auge sin precedentes de la posguerra, hubo un florecimiento de las artes. Nosotros, sin embargo, vivimos en un período fundamentalmente diferente. Sin duda, hay muchas flores brillantes que batallan contra el hormigón, algunas de las cuales logran pasar fugazmente. Pero en comparación con las posibilidades que existen para liberar todo el potencial de la humanidad, estamos pasando por un desierto cultural. El anhelo de volver a la cultura del boom de la posguerra es tan utópico como la idea de que Donald Trump puede chasquear los dedos y mágicamente "Hacer los EUA Grande de Nuevo". Con la crisis de la superproducción alcanzando niveles sin precedentes, la única salida es implacable lucha para transformar fundamentalmente el sistema.

Después de su salida de la legendaria banda de rock, Cream, se le preguntó al bajista Jack Bruce qué tipo de sociedad quería él y los artistas con ideas afines. "¿Qué tipo de sociedad queremos? Bueno, no queremos lo que nos han dado las sucesivas generaciones de políticos, eso es seguro. Queremos nuestra propia poesía, nuestras propias organizaciones, y nuestra propia música, como [la música en] esta vieja banda en la que solía estar llamada The Cream. Por el momento, sólo nos sirve de excusa para los errores de todos los demás ... quieren imponernos valores y estándares propios para que puedan convertirnos en buenos consumidores ".

Las palabras de Bruce también podrían ser pronunciadas por millones de jóvenes y obreros en la época actual, ante el miserable callejón sin salida de este sistema y el infame caldo mercantil disfrazado de "arte" que se les sirve diariamente. Para aquellos que se limitan a este sistema, parece que no hay salida. Pero cada vez menos personas que están dispuestas a aceptar el statu quo, sus valores y su cultura. Para Ted Gioia, el cambio es inevitable.

"Como siempre, un nuevo grupo de desconocidos harán cambiar las cosas. Los forasteros siempre crean los mayores trastornos de la música -era cierto con los cantantes esclavos de la antigua Roma, los golíardos9 de finales de la Edad Media, los artistas de jazz y blues de los años veinte y los rockeros y raperos de los últimos años. La clase dirigente nunca provoca la revolución. Los poderosos comerciantes de la música simplemente se marchitan, hasta que alguien más con una visión más fuerte entra para llenar el vacío ... ¿De dónde vendrá la próxima revolución? Aquellos con un apego nostálgico al pasado inevitablemente estarán decepcionados. La próxima ola podría abarcar al talento musical, pero no señalará un retorno al pasado. Entregará algo nuevo y fresco, aunque vendría de elementos ya presentes en la escena actual ".

En última instancia, las contradicciones que los artistas expresan son un reflejo de la sociedad de la cual surgen. Sin embargo, no pueden resolver las contradicciones aisladamente. Una solución sólo puede encontrarse en el campo de la lucha revolucionaria. Como Trotsky señaló en 1938: "El arte puede convertirse en un fuerte aliado de la revolución sólo en la medida en que se mantenga fiel a sí mismo. Los poetas, los pintores, los escultores y los músicos encontrarán su propio enfoque y métodos si la lucha por la libertad de clases y pueblos oprimidos dispersa las nubes de escepticismo y de pesimismo que cubren el horizonte de la humanidad ".

El futuro del arte está ligado indisolublemente al futuro de la humanidad en su conjunto y la lucha política contra el capitalismo debe necesariamente encontrar una expresión en el arte. A medida que los artistas se unen a la clase obrera más amplia a medida que avanza en la lucha, el arte mismo será revolucionado. Sobre la base de una economía nacionalizada y democráticamente planificada, el increíble poder de la tecnología será liberado del sistema con fines de lucro y estará a disposición de todos. Sobre esta base, las artes, las comunicaciones, y la innovación alcanzarán las alturas que podemos soñar solamente hoy. Es hacia este reino de la libertad, marcadamente contrastado contra el reino actual de la necesidad cada vez más terrible, que marchamos los marxistas con confianza y audacia.

Traducido al español por Vladimir Elías M. miembro del Comité de Traducción del Bloque Popular Juvenil



  1. La retransmisión (en inglés streaming, también denominado transmisión, transmisión por secuencias, lectura en continuo, difusión en continuo o descarga continua) es la distribución digital de contenido multimedia a través de una red de computadoras, de manera que el usuario utiliza el producto a la vez que se descarga. La palabra retransmisión se refiere a una corriente continua que fluye sin interrupción, y habitualmente a la difusión de audio o vídeo. 
  2. El Great British Bake Off, a menudo llamado Bake Off o GBBO, es una competencia británica de panadería por televisión producida por Love Productions, en la que un grupo de aficionados panaderos compiten entre sí en una serie de rondas, tratando de impresionar a un grupo de jueces con sus habilidades de horneado.
  3. Spotify es una aplicación multiplataforma empleada para la reproducción de música vía streaming. Cuenta con un modelo de negocio freemium, ofreciendo un servicio gratuito básico y con publicidad; pero con características adicionales, como una mejor calidad de audio, a través de una suscripción de pago.
  4. Tidal (estilizado como TIDAL y también conocido como TIDALHiFi) es un servicio de música de emisión continua basado en suscripción que combina audio sin pérdida y videos musicales de alta definición con una editorial selecta.
  5. Es el proceso de copiar y/o convertir la información de un soporte multimedia (como un CD, DVD, HD DVD o Blu-ray), a otro soporte de datos digital como un disco duro
  6. El Parlamento-Funkadelic es un colectivo americano de funk, soul y rock dirigido por George Clinton. Su estilo ha sido llamado P-Funk. Colectivamente el grupo ha existido bajo diversos nombres desde los años 60 y ha sido conocido por su talento musical de calidad, las letras cargadas políticamente, la filosofía Afrofuturistica, los álbumes conceptuales extravagantes y las actuaciones vivas memorables. Ellos influenciaron a numerosos grupos de música post-disco y post-punk de los años 1980 y 1990.
  7. Talking Heads fue una banda de new wave y post-punk formada por David Byrne en el año 1974 junto a Chris Frantz y Tina Weymouth.1​ Un par de años después se integraría a ella el guitarrista y tecladista Jerry Harrison, quien anteriormente había grabado junto a The Modern Lovers. Después de ocho importantes álbumes de estudio, varias giras, vídeos musicales y premios, en el año 1991 el grupo anunció oficialmente su separación. En 2011 la revista Rolling Stone los ubicó en el número 100 entre los 100 más grandes artistas de todos los tiempos.
  8. Gangsta rap es un subgénero del rap que persigue reflejar el estilo de vida violento de la juventud de las zonas menos favorecidas de la ciudad.1​ Gangsta es una pronunciación no rótica de la palabra gangster. El género surgió hacia mediados de los años 1980 en Estados Unidos de la mano de raperos como Schoolly D y Ice-T, y fue popularizado en la última parte de la década de los ochenta por grupos como N.W.A. Gracias a la atracción mediática que Ice-T y N.W.A lograron entre finales de los años ochenta y comienzos de los noventa en su país, el gangsta rap pasó a convertirse en el subgénero más lucrativo en términos comerciales del hip hop. Algunos raperos gangsta de Estados Unidos han sido asociados fuera del circuito musical con gánsters reales, afirmándose la existencia de lazos con pandillas como los Bloods o los Crips.
  9. El término goliardo se utilizó durante la Edad Media para referirse a cierto tipo de clérigos vagabundos y a los estudiantes pobres pícaros que proliferaron en Europa con el auge de la vida urbana y el surgimiento de las universidades en el siglo XIII.